Titilayo Ayangade comenzó a tocar el violonchelo a los cinco años, pero su pasión no se encendió hasta que descubrió la música de cámara en su adolescencia. Le encantaba el arte íntimo de conversar con amigos usando instrumentos en lugar de palabras y quería perfeccionar sus habilidades para que más personas quisieran tocar con ella. El arduo trabajo dio sus frutos: Ayangade obtuvo títulos en música de la Universidad de Cincinnati-CCM y la Universidad de Texas en Austin; ha realizado giras por todo el mundo, se convirtió en artista residente de Strathmore; y trabajó durante cinco años como violonchelista del aclamado Thalea String Quartet, con quien ganó los principales premios en los concursos internacionales Fischoff y Chamber Music Yellow Spring.

Actualmente, Ayangade está canalizando su pasión por la música de cámara en el dúo kayo, que formó con su prometido, el violista Edwin Kaplan (del Tesla Quartet). El violonchelo y la viola forman una combinación inusual, pero Ayangade se deleita con los tonos de cuerdas más oscuros; Al dúo, conocido por su “alegre expresión musical”, le gusta desafiar las normas tradicionales de todos modos. Tomemos como ejemplo su último proyecto, financiado por una beca Sphinx Artist MPower: una grabación de su nuevo trabajo encargado por Curtis Stewart, inspirada en la música de “The Revolution Will Not Be Televised” de Gil Scott Heron.

La fotografía es una incorporación comparativamente posterior al portafolio artístico de Ayangade, pero ya ha tenido un gran éxito con ella. Hasta la fecha, ha fotografiado a cientos de músicos (entre sus clientes se incluyen la Escuela Colburn, la Sinfónica Juvenil de Nueva York y miembros de la Sinfónica de San Francisco) y, en 2023, Ayangade fue seleccionada para asistir al prestigioso Taller Eddie Adams para fotógrafos emergentes. En el podcast del taller, “The Long Roll”, Ayangade explicó cómo su sentido de la música influye en su forma de fotografiar: “La música emite sonido y las fotos emiten luz”, dijo. [When I’m photographing subjects]Intento mostrar qué tipo de luz interior tiene una persona, o de alguna manera, mostrar cómo suena”.

La energía artística de Ayangade es contagiosa y estaba ansioso por preguntarle más sobre su fotografía, su proceso de ensayo y sus inspiraciones.

Dúo Kayo — Foto de Titilayo Ayangade

Como ex miembro del Thalea String Quartet y ahora mitad del dúo Kayo, has podido canalizar tu energía de música de cámara en dos tipos de grupos muy diferentes. ¿Cuáles son las diferencias y similitudes entre trabajar en vuestro dúo versus el cuarteto?

La transición de actuar en el Thalea String Quartet al dúo kayo y más allá me ha dado una comprensión profunda de cómo funcionan los diversos conjuntos de cámara; cómo se desarrolla la comunicación y cómo toma forma el producto artístico.

Trabajando en el cuarteto, las combinaciones de las cuatro personalidades e identidades musicales estaban en constante cambio, por lo tanto, la dinámica siempre estaba cambiando. Esto requería un ecosistema muy complejo en el que la toma de decisiones se hacía en comité, con mucha negociación y compromiso. En un cuarteto, cada persona aporta su voz a una visión compartida, y la lucha radica en equilibrar todos estos diferentes puntos de vista sin sacrificar la fuerza de esa visión.

A diferencia del cuarteto, Duo Kayo se siente mucho más íntimo y personal, como una extensión de una conversación entre dos amigos cercanos. Todo en el dúo se centra en esa relación entre mi compañero musical, Edwin y yo. Hay franqueza en la forma en que nos comunicamos: con solo dos instrumentos, hay espacio para que cada uno de nosotros aprovechemos nuestra voz, pero tenemos que estar dentro del bolsillo del otro al mismo tiempo. Es otro tipo de desafío, pero requiere una profunda confianza y comprensión. La inmediatez y espontaneidad de estas interacciones nos permiten correr mayores riesgos y profundizar en nuevas ideas en el acto y con menos deliberación.

Duo Kayo – Lo mejor de Duo Kayo

Hablando de eso, tu dúo parece estar floreciendo en múltiples direcciones a la vez: ¡es bastante impresionante! Además de las actuaciones y residencias, acaba de terminar de grabar su encargo inspirado en Gil Scott Heron y recientemente lanzó Daybreak, una serie de conciertos y meditación al amanecer o temprano en la mañana. ¿Qué te entusiasma de estos proyectos?

¡Tuvimos un verano realmente fantástico! Fue una gran bendición poder regresar tanto a Caramoor como a Newport Classical. El verano pasado, Edwin y yo fuimos los artistas del festival en Newport, lo cual fue una experiencia divertida tocando juntos en una formación de cuarteto/quinteto. Estrenamos una obra de Curtis Stewart titulada The Gilded Cage, que fue lo que realmente nos impulsó a considerar encargarlo. Nos encantó su lenguaje y su escritura. Su nuevo trabajo para nosotros, titulado Amenaza, explora la forma en que las cosas efímeras, como la historia y la cultura, se borran con el tiempo.

Hicimos de Curtis una mezcolanza de listas de reproducción cuando estábamos soñando por primera vez lo que podría ser la pieza. Hizo un trabajo realmente magistral al fusionar toda la inspiración y su estilo característico. La amenaza exige que el intérprete grite, pisotee, cante y vocalice de otro modo; acciones declamatorias que no se encuentran a menudo en el típico escenario clásico. Tuvimos el gran placer de estrenarlo el pasado mes de julio en Newport Classical en una galería llena de arte negro de la famosa fotógrafa jamaicana estadounidense Renee Cox.

Vimos el proyecto de encargo, que fue financiado por Chamber Music America y Sphinx, como una oportunidad de darle la vuelta a la tradición y tomar prestadas influencias de otros géneros que encajan dentro de nuestra visión artística personal, como el hip hop, la palabra hablada y el soul. Este proyecto es importante para mí porque fue una idea que surgió del patrimonio compartido y de conversaciones comunitarias sobre la gentrificación y la identidad en curso de Harlem. Scott-Heron era experto en fusionar música y comentarios sociales, y a menudo utilizaba su arte como un llamado a la acción contra las injusticias y las desigualdades. Queríamos rendir homenaje a ese legado y al mismo tiempo identificarnos con un nuevo mensaje: la llamada “amenaza” continúa.

Daybreak es una nueva creación nuestra que surgió de la idea de que la música merece hacerse en cualquier momento y en cualquier lugar. Por lo general, nos hospedamos justo después del amanecer, hasta el mediodía, y ofrecemos un espacio seguro para comenzar el día. La serie explora cómo la música puede tener una influencia calmante en nuestros diferentes estados mentales y en nuestra vida diaria. La combinación de música precompuesta junto con la improvisación y la meditación crea un espacio donde las personas pueden desconectarse del estrés de la vida cotidiana y reconectarse con ellas mismas antes de embarcarse en su día a día habitual. Los eventos tratan de ir más allá de la música y crear momentos de reflexión, sanación y conexión.

Amanecer en el Instituto de música de granja Avaloch — Foto de Titilayo Ayangade

Como violonchelista, durante mucho tiempo ha cultivado sus dotes clásicas mientras desarrollaba un estilo único y buscaba activamente nuevo repertorio. ¿Cómo te preparas (a través de la práctica, el consumo de medios u otros hábitos) para operar en el nivel musical que lo haces?

Llevo toda la vida tocando el violonchelo: 27 años para ser exactos. La respuesta a esta pregunta ha cambiado a lo largo de los años, pero lo más importante para mí es mantener un contacto diario constante con mi instrumento. Un día cualquiera puedo tener una sesión de grabación, un ensayo de orquesta con diferentes conjuntos, una lectura del compositor, una sesión de fotos, un entrenamiento de música de cámara, un ensayo de dúo, una actuación, etc.

Esto significa que tengo que mantener mi flexibilidad, lo cual hago creando pequeños ejercicios de entrenamiento auditivo a modo de calentamiento. Se ha vuelto muy divertido encontrar una canción e improvisarla, lo cual es el desafío perfecto para mis oídos y mis dedos. También me saca de mi cabeza y me lleva al presente: una mentalidad de “una sola vez” puede ser útil cuando solo tienes un puñado de veces para sentarte con la música antes de tener que dar lo mejor de ti.

Con el tiempo, he aprendido a darme gracia y a recordar que estoy aquí para conectarme con mi violonchelo, no para dominarlo. Pero, por supuesto, además del trabajo mental, me parece imperativo asimilar muchos tipos diferentes de cultura. Me encanta leer todo tipo de literatura y actualmente recomiendo a todo el mundo el libro Rest is Resistance de Tricia Hersey. Considero particularmente regenerativo permitirme el tiempo para simplemente sentarme y pensar. En este punto de mi vida y mi carrera, me encuentro en un viaje introspectivo para desaprender y redescubrir cuál es realmente mi auténtica voz musical, lo cual requiere paciencia. También me encanta asistir a los conciertos de mis compañeros músicos, donde con frecuencia me deleitan e inspiran sus propios viajes al escenario.

¿Cómo ha impactado el desarrollo de tu oficio como fotógrafo en tu musicalidad?

Si bien la fotografía y la música probablemente se consideran dos disciplinas completamente diferentes, he descubierto que se complementan de manera fuerte y sorprendente. Ambas actividades son formas de contar una historia que requieren atención a los detalles y la curiosidad de preguntarse qué vendrá después. Esta anticipación me ha enseñado a tener paciencia con lo que sólo se puede observar, no controlar. Los fotógrafos se refieren a él como el “momento decisivo”, término acuñado por el fotógrafo Henri Cartier-Bresson para representar la alineación sincrónica de los acontecimientos. Este espacio liminal también existe durante la actuación y sólo puede observarse estando lo más presente posible.

Al igual que en la fotografía, en la música no sólo importa lo que se presenta, sino cómo se presenta. Incluso la pieza musical más profunda resonará con el vacío en una sala con poca luz y sin la respuesta de un público comprensivo en vivo. Así como un ligero cambio en el ataque o la actitud puede transformar completamente la experiencia de una pieza musical, un ajuste en el ángulo o la saturación del tono puede transformar el significado de una imagen. La fotografía me ha ayudado a ser más consciente de estos matices en mi interpretación: más reflexivo sobre cómo quiero “enmarcar” cada momento de una actuación y cómo llamar la atención del público hacia lo que más importa.

Kebra-Seyoun Charles — Foto de Seyoun Charles

Actualmente estás trabajando en un proyecto que honra y celebra a los músicos BIPOC a través de la fotografía. ¿Cuál fue la inspiración para esto y cómo va hasta ahora?

Este proyecto es profundamente personal para mí y coexiste con mis otros trabajos fotográficos encargados. Como mujer negra en la música clásica, a menudo me he sentido diferente o como una voz perdida en un espacio que históricamente no ha sido muy inclusivo. A lo largo de mi carrera, me he encontrado con muchos músicos BIPOC increíbles: artistas que no sólo son brillantes en su oficio, sino que también están personalmente comprometidos en existir como ellos mismos en este ámbito que sigue siendo en gran medida homogéneo. No siempre se cuentan sus historias y no siempre se reconocen sus contribuciones. Este proyecto es mi manera de cambiar eso en mis propios términos.

La inspiración para este proyecto surge de mis propias experiencias con el autorretrato que comenzaron hace 10 años. También proviene del simbolismo desenfrenado donde instituciones veneradas, que tienen menos del 25% de un grupo demográfico BIPOC (2,4% negros para ser precisos), nos colocan en la primera plana; una virtud señal de diversidad. Muchas de las conversaciones que he tenido con compañeros músicos se centran en la idea de una mala imagen de uno mismo o del miedo a ser percibido como demasiado. No obstante, existe un entendimiento compartido en la comunidad de que nuestras historias son importantes, que nuestras contribuciones a la música clásica merecen ser celebradas y documentadas.

Esta dicotomía es un llamado a la acción. Como mi otra salida creativa, al igual que el violonchelo, la fotografía me pareció el medio natural para expresar mi preocupación por esta comunidad porque es una herramienta muy poderosa para la visibilidad. De cara al futuro cercano, estoy pensando en incorporar viñetas musicales breves para brindarles a mis colegas una plataforma para compartir sus historias en su propia lengua vernácula. Estoy en el proceso de solicitar una subvención para poder mostrar esto como una exposición de arte. En última instancia, quiero que este proyecto sea tan multifacético como los músicos que celebra. No somos un monolito.

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