Margarita Karimova-Sokolova es una artista aclamada, conocida por sus vibrantes obras de arte. Su arte a menudo explora la identidad, la memoria y la conexión entre tradición y modernidad. En una conversación con AZERNEWS, Margarita Karimova-Sokolova abordó la intrincada relación entre inspiración y creación en su viaje artístico. Explora la naturaleza dinámica de la expresión artística, enfatizando cómo las experiencias personales y el paisaje fluido del arte contemporáneo dan forma a su trabajo. P: ¿Qué te inspira a crear nuevas obras? ¿Hay algún tema o emoción específica que te esfuerces por transmitir a través de tu arte? R: El espectador y el artista entienden la inspiración de forma diferente. Soy un artista en todos los sentidos. Cuanto más vivo, más experiencia adquiero y descubro la diversidad de direcciones y estilos artísticos. El arte contemporáneo nunca deja de sorprender por su escala y variedad. Para un artista, la inspiración es un proceso de trabajo dinámico que requiere una sintonización constante y una disposición para experimentar. Está siempre listo y sintonizado, como una herramienta, constantemente receptivo a algo nuevo, dando lugar a numerosas ideas sobre cómo implementarlas. Un artista nunca sabe adónde le llevará el proceso creativo. El momento en el que estás completamente inmerso en tu trabajo se puede llamar inspiración. En esos momentos sucede algo inexplicable. No se trata sólo de crear arte, sino de una verdadera alquimia de ideas, emociones y formas. P: ¿Qué exposiciones o proyectos en los que participó fueron especialmente significativos para usted? R: Recibí el premio Phoenix por mi pintura titulada “Phoenix”, que se incluyó en el catálogo de Contemporary Celebrity Masters. La ceremonia de entrega de premios tuvo lugar en la Skuola Grande Di San Teodoro de Venecia, coincidiendo con la 60ª Bienal de Venecia. Algunas exposiciones realizadas en las galerías de Venecia de aquella época, incluida la nuestra, pasaron a formar parte de este evento. Esta vez tuve el honor de participar en la 60 Bienal a través de la plataforma suiza “ARTBOXY”, que presentó mis obras en la galería “Kipriarte”, ubicada dentro del área principal de la Bienal—Giardini. Artistas de decenas de países expusieron sus obras en 87 pabellones y galerías nacionales. La Bienal de Venecia es el festival de arte y cultura más antiguo e influyente del mundo, y es un gran honor participar. En 2021, a la edad de 23 años, recibí dos veces el prestigioso Premio Internacional de Arte Leonardo da Vinci y, por tercera vez, en 2024, obtuve el Premio de Oro de Edición Especial en Milán. He vivido en Alemania durante unos 30 años, pero cada vez que recibo premios y honores, represento a mi patria, Azerbaiyán, como señal de amor y gratitud. Recibí el Leonardo de Oro por mi obra “Sentimiento y razón”, que fue incluida en el catálogo y libro internacional “Famosos maestros del arte contemporáneo”. También he recibido premios prestigiosos como el de Miguel Ángel, Donatello, Caravaggio y Botticelli. Después de recibir el premio “Donatello—Gran Maestro”, obtuve el estatus de “MAESTROS CELEBRIDADES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO”. P: No hace mucho le concedieron la medalla de Artes-Ciencias-Letras en París. ¿Podría contarnos más sobre este honor? R: En 2023 fui nominado a este premio por mis logros en el campo del arte. Anteriormente participé en una exposición de la UNESCO que tuvo lugar durante la pandemia de COVID, por la que recibí un Diploma de Primera Clase. Causé una buena impresión y luego seguí trabajando en proyectos con la UNESCO. Recientemente, recibí de la UNESCO el estatus de miembro de la Sociedad de Diplomacia Cultural. El premio Arts-Sciences-Lettres, creado por la Sociedad Académica Francesa en 1915, ocupa el segundo lugar en importancia después de la Legión de Honor. El 6 de octubre de 2024 fui honrado con este prestigioso premio por mis contribuciones y logros en el ámbito del arte global. Me entregaron un diploma honorífico y una gran medalla de plata. Vale la pena señalar que el premio ASL se otorga a figuras destacadas de la ciencia, el arte y la literatura, incluidos premios Nobel, académicos, líderes religiosos, reinas, médicos, editores, directores de revistas y teatros, profesores, filántropos, escritores, escultores, artistas, cantantes y músicos de todo el mundo. A lo largo de los años, entre los distinguidos destinatarios se encuentran personas tan notables como Maurice Druon, Jacques-Yves Cousteau, André Maurois, Frédéric e Irène Joliot-Curie, Henri Troyat, Olivier Messiaen y muchos otros. P: ¿Hay algún artista o movimiento que haya tenido una influencia significativa en usted? ¿Qué tipo de influencia fue? R: Ciertamente, sigo al tanto de lo que pasa en el mundo del arte y siempre descubro algo nuevo. Después de mis estudios, cuando regresé a Bakú, participé activamente en la vida artística de la ciudad, que era muy vibrante y diversa. Esto contribuyó en gran medida a la formación y desarrollo de mi camino creativo. Entre las figuras importantes de mi desarrollo como artista se encuentran nuestros grandes maestros como Torgul Narimanbayov, Elmira Huseynova, Tahir Salahov, Sattar Bahlulzade y otros. En aquel momento, el ambiente creativo en Bakú era muy poderoso y rico, tanto en música como en literatura. De la generación anterior de artistas había mucho que aprender e inspirarse. Los artistas más jóvenes exploraban nuevos caminos y formas, lo que también tuvo un impacto sustancial en mí. Mis contemporáneos (Sanan Kurbanov, Kamal Akhmedov, Ujal Akhverdiyev y otros) formaron mi círculo creativo. Todos trabajábamos en la Casa de los Artistas e interactuábamos activamente entre nosotros. ¡La vida creativa era vibrante! Nos visitaban con frecuencia músicos, poetas y científicos, lo que contribuyó a la creación de una atmósfera creativa única. Hasta el día de hoy, mi lista de artistas y figuras del arte que me interesan es grande y sigue creciendo. El ambiente artístico en Bakú durante los años 70 y 80 fue bastante interesante, aunque era la Unión Soviética y el arte contemporáneo luchaba por llegar hasta nosotros. Sin embargo, conocíamos bien el arte clásico ruso y occidental, en particular el período de los Errantes (Peredvizhniki). Con el tiempo se fueron abriendo nuevos canales a través de los cuales recibimos libros, catálogos y folletos que nos permitieron estudiar diversos movimientos del arte contemporáneo. Cuando viajé por primera vez a Alemania en 1988, como parte de la Unión de Artistas de la URSS y por invitación del mecenas y coleccionista de arte contemporáneo, Peter Ludwig, conocí horizontes completamente nuevos. En aquella época Ludwig había construido su gran museo de arte contemporáneo en Colonia y yo estuve presente en su histórica inauguración. La exposición y el calibre de los invitados me dejaron una impresión increíble. Curiosamente, también adquirió una colección de arte de vanguardia rusa, que hasta entonces no era muy conocida. Esta inauguración del arte contemporáneo se convirtió en un impulso importante para mí y me llevó tiempo procesarlo todo, ya que era un arte verdaderamente poderoso y expresivo. Apenas empezábamos a reconocerlo. Surgieron nombres como Joseph Beuys, Andy Warhol, Marina Abramović, Bill Viola, Alberto Giacometti, Salvador Dalí, Anselm Kiefer o Takashi Murakami, y hubo muchos más. Sería demasiado enumerarlos todos. Ciertamente conocíamos a Picasso y permanece a la vanguardia del arte contemporáneo. P: ¿Qué temas exploras en tus obras? R: Entre los temas recurrentes a los que vuelvo están “Carnaval”, “Amor o dos”, “La fórmula de la flor” y “Eva”. De una forma u otra, estos aparecen a menudo en mi arte. También hay una temática relacionada con las conchas marinas; Tengo una serie de pinturas tituladas “Conchas como cosmos”. Un artista es alguien que puede ver algo único y profundo en cada objeto. Hace unos años comencé a pintar una serie de obras centradas en el tema “Reflexiones”, que me interesaron mucho. Empecé a crear diez cuadros uno tras otro. A medida que me acercaba a la finalización de esta serie, me di cuenta de que claramente encarnan la música. Esto dio lugar a otro nuevo tema y una serie de pinturas titulada “El nacimiento de la música”. Ahora, el tema de la música encuentra frecuentemente expresión en mi trabajo. Vale la pena señalar que entre mis piezas se encuentran pinturas dedicadas a destacados compositores como Javad Heyat, Fikrat Amirov, Gara Garayev, Chopin, Mozart, Mahler y otros grandes compositores. Otro tema que me interesa, que surgió durante el período COVID, es “El tiempo de la corona” y “La realidad no objetiva”. Después de visitar la exposición “Caravaggio-Bernini-Barroco en Roma” en Amsterdam, desarrollé una serie titulada “Sueños de Caravaggio”, donde apliqué una combinación de estilos figurativo y abstracto. A través de mis pinturas sobre el tema de la música, he participado en diversos proyectos y eventos exclusivos dedicados a Kara Karayev y Fikret Amirov en Colonia, Alemania, y a Javad Heyat en el Concurso de Música “Florida Keys” en América. Así, la música y la estética que nos rodea se convierten en una parte importante de mi expresión artística. P: ¿Cuáles son tus planes para el futuro? ¿Hay algún proyecto o idea que le gustaría implementar en un futuro próximo? R: Sí, por supuesto, tengo proyectos que me gustaría realizar en un futuro próximo. Tengo varios temas creativos que comencé hace bastante tiempo y a los que vuelvo periódicamente, así como nuevas ideas que surgen. Además, colaboro con asociaciones en Italia y Alemania que regularmente inician diversos proyectos. Participo en sus concursos y eventos de 5 a 10 veces al año, y cada vez hay un tema específico que me permite expresar mi creatividad. El 26 de octubre tuvo lugar en Barcelona la gala de entrega de premios a los premiados. Me preparé para este evento con mucha anticipación. El tema de este concurso fue “Velázquez y Goya”, y al crear una pintura sobre este tema, me convertí en el ganador del concurso. Fue maravilloso. La ceremonia tuvo lugar en La Pedrera-Casa Milá, un edificio de singular belleza obra del gran Antoni Gaudí. En cuanto a los temas creativos a los que vuelvo ocasionalmente, uno de ellos es el Carnaval veneciano. Habiendo asistido una vez, quedé profundamente impresionado. Es un espectáculo extraordinario. Al son de la música medieval, desfilan lentamente las figuras de la Commedia dell’Arte. Casanova, Arlequines, Señorinas, Cavaliers y personajes del gran Federico Fellini cobran vida. Son extraordinariamente hermosas y parecen irrealmente altas con sus tacones de plataforma. ¡La eterna Venecia sirve de telón de fondo! El Carnaval veneciano cautiva por su misterio, trajes únicos y ricas tradiciones. El Carnaval de Colonia es completamente diferente: alegre, ruidoso, juguetón, sarcástico y también impregnado de tradiciones antiguas. ¡Hay mucho que admirar allí! También he creado una considerable serie gráfica sobre el Carnaval de Colonia. En el futuro, me gustaría seguir desarrollando estos temas, creando nuevas obras y participando en exposiciones que me permitan compartir mi visión con un público más amplio. Espero que mis proyectos estimulen la interacción creativa y la inspiración tanto para mí como para los espectadores.