El Museo de Arte SCAD cuenta con más de diez espacios de galería dinámicos que presentan exposiciones y obras encargadas por artistas emergentes y establecidos. Imagen cortesía de SCAD. Foto de : Aman Shakya
Savannah College of Art and Design es más que simplemente otra escuela con un museo: es la realización de un sueño visionario que transformó la histórica ciudad de Savannah en un próspero centro para la creatividad en múltiples niveles. Todo comenzó con Paula Wallace, entonces una maestra de escuela primaria de 29 años, que imaginó una escuela dedicada a disciplinas creativas, adoptando tecnología de punta mucho antes de que se convirtiera en algo común. Vendió todo lo que tenía, incluido su Volkswagen Beetle amarillo, y con la ayuda de sus padres, May L. Poetter y Paul E. Poetter, fundaron SCAD en 1978. La primavera siguiente, adquirieron y renovaron la Armería de la Guardia Voluntaria de Savannah, estableciendo lo que hoy es una de las escuelas de arte más prestigiosas. En la actualidad, SCAD cuenta con campus en Savannah y Atlanta, así como con una ubicación estacional en Lacoste, Francia. Reconocida mundialmente por formar los mejores talentos del cine, la moda, el diseño y la animación, la influencia de SCAD se refleja en todo, desde las artes visuales hasta la moda y la pantalla grande. La querida ardilla con dientes de sable Scrat de la película Ice Age tiene sus orígenes en la universidad, donde ocupa un lugar especial en su historia, conmemorado con un trofeo de avellana.
Recientemente, el Museo de Arte SCAD presentó una programación dinámica para sus exposiciones de otoño de 2024, que van desde un estudio sorpresa del arte del líder de Funkadelic, George Clinton, hasta una importante exposición de las instalaciones de luz de Dan Flavin, realizada en colaboración con la Fundación Dia. Esta audaz lista refleja la ambiciosa visión del museo; El curador Daniel S. Palmer dijo a Observer que el museo alberga unas diez exposiciones al año, diseñadas para inspirar a los estudiantes y “cambiar la trayectoria de vida creativa” de quienes lo visitan. El debut estuvo marcado por la presencia de los artistas destacados, creando un momento poco común y agradable en el mundo del arte. Es un testimonio de cómo este museo, ubicado en uno de los complejos ferroviarios más antiguos del país, continúa atrayendo talento global y al mismo tiempo enriquece a la comunidad local. El museo posee ahora una colección de más de 5.000 obras, lo que subraya su papel como faro de regeneración urbana y revitalización cultural. La exposición colectiva “No Simple Matter” muestra solo una parte de esta colección, con obras que exploran la materialidad entre el minimalista y el Op Art, revelando la belleza en la austeridad y ampliando los límites de cómo el color, la línea y la forma pueden redefinir lo ordinario.
“Envuelto en una nube, disfrazado en el cielo” de George Clinton. Cortesía de SCAD. Foto Nick Ber
George Clinton emerge aquí como una estrella de las artes visuales, irradiando su característico espíritu histriónico y su arte visionario. “Clocked in A Cloud” es su primera exposición individual, que muestra la cultura negra a través de una serie de pinturas psicodélicas, dibujos visionarios, portadas de álbumes, prendas vibrantes y recuerdos que canalizan la energía eléctrica de su universo musical. Palmer señaló durante nuestro recorrido que el viaje artístico de Clinton comenzó en los años 90 cuando un fan le pidió un autógrafo dibujado, lo que lo llevó a romper las convenciones con cada obra de arte posterior. “Empecé a hacer el perro como firma y luego terminó en las portadas de los álbumes”, recordó Clinton más tarde durante su charla. Sólo en los últimos años, durante la pandemia, se comprometió de lleno con una práctica artística, contrató a un gerente y promovió activamente su trabajo. Esta exposición en SCAD es el primer estudio exhaustivo de su arte visual y destaca su creatividad infinitamente expansiva. Acompañando sus obras psicodélicas y futuristas sobre papel y lienzo, la muestra incluye dos fantásticas instalaciones de naves espaciales, Motherships, que resumen perfectamente la visión afrofuturista de Clinton. Su vibrante paleta desafía las expectativas, considerando que Clinton sufre de una rara forma de daltonismo. “Por eso se trata de sombras, tonos y degradados”, dijo Palmer. Una sección de la exposición está dedicada a la profunda influencia de Clinton en el arte contemporáneo, con piezas de Derrick Adams, Lauren Halsey, Eddie Martinez, Mickalene Thomas y Rashid Johnson que se inspiraron en su estilo y mensaje dinámicos.
Una galería cercana alberga las exploraciones del dúo de artistas indios Thukral y Tagra de los fallos digitales en la naturaleza a través de su exposición “Arboretum”. La exposición, marcada por pinturas meticulosamente representadas sobre lienzos de formas dinámicas, aborda tanto el mundo físico como el metaverso. Aborda una pregunta crítica de nuestros tiempos, a medida que el límite entre los espacios físicos y digitales se desdibuja: “Si un árbol cae en el Metaverso, ¿hace ruido?” La tensión entre las técnicas laboriosas de estas obras hiperrealistas, que tardan meses en completarse, y el rápido flujo de datos virtuales que interpretan complica aún más la relación entre el lienzo y la pantalla, ofreciendo un diálogo que invita a la reflexión sobre cómo las experiencias sensoriales se traducen entre los dos. tangible y lo digital.
SCAD también presentó “Isabel Toledo: Una carta de amor”, una celebración de la sinergia apasionada y creativa que definió el legado y la historia de amor de Rubén e Isabel Toledo. A pesar de llevar el nombre de Isabel, la exposición destaca el profundo vínculo que dio forma a su extraordinaria visión. Como dijo Rubén Toledo al Observer, fue “amor a primera vista” y los dos diseñadores nacidos en Cuba colaboraron como una sola fuerza creativa, revolucionando la moda femenina con su combinación única de estructura, equilibrio, gravedad y fluidez. Juntos, diseñaron formas y patrones para envolver el cuerpo, combinando comodidad, elegancia y fluidez, todo ejecutado con su artesanía y arte característicos.
“Isabel Toledo: Una carta de amor” de Rubén Toledo. Foto: Nick Berryman, cortesía de SCAD
La siguiente en la programación de exposiciones de otoño de SCAD es Holy Quarter, una inmersión inmersiva en el videoarte mitopoético y de ciencia ficción de la artista Monira Al Qadiri. La película y la instalación escultórica reinventan la leyenda de la búsqueda de un colonizador occidental de la ciudad perdida de Ubar, usándola como lente para examinar las complejidades culturales e históricas del Golfo Pérsico, que abarcan desde su economía de perlas hasta su auge petrolero y su futuro incierto. Fiel a su estilo, el trabajo de Al Qadiri une el pasado, el presente y el futuro, desenterrando historias ocultas del Golfo mientras investiga lo que podría venir después del petróleo. “Hay mucha historia preislámica, así como la rica historia de la tierra, su geología”, dijo al Observer. “Justo encima de Kuwait se encuentra la ciudad de Uruk, una de las ciudades más antiguas de la civilización humana. Me parece extraño que la gente pueda fácilmente descartar todo eso y decir que la historia de esta región sólo comenzó con el petróleo porque el petróleo ha contaminado la historia de la región de tal manera que la gente piensa que nada existía antes. Por lo tanto, intenté crear este arco histórico, utilizando el tiempo geológico en mi trabajo”. La videoinstalación en SCAD, frente a la inquietante presencia alienígena de perlas negras o meteoritos esparcidos por el suelo, se convierte en un poderoso ejercicio de mitopoyesis, que combina la reimaginación poscolonial con la crítica ecológica y las narrativas convencionales para ofrecer una visión inquietante de la historia y sus interpretaciones fracturadas.
Barrio Santo de Monira Al Qadiri. Cortesía de SCAD. Foto Aman Shakya.
El museo SCAD también muestra obras de Anthony Akinbola, quien presenta una de sus instalaciones durag más ambiciosas hasta la fecha: el Camuflaje de 48 pies de largo, que se transforma en un entorno completo, infundiendo el espacio con colores vibrantes que irradian sus materiales. La obra se inspira en la atmósfera de las iglesias nigerianas en Nueva York. “Al escalar un material como ese, de esta manera grandiosa en la que ocupa espacio, todo se trata simplemente de la obra y menos del objeto”, dijo el artista al Observer. Frente a esta extensa composición, un grupo de productos para el cabello negro están dispuestos en estantes, formando ensamblajes pictóricos en The Price of Oil, una pieza que interroga la tensa historia del cabello negro en la economía estadounidense mientras explora cómo los objetos cotidianos pueden servir como plataformas para la abstracción. y comentarios sobre la cultura del consumo. Akinbola explicó más tarde que su práctica trasciende la abstracción formalista para desentrañar los complejos significados sociopolíticos incrustados en estos productos: “Existe una asociación con ellos, culturalmente. Hay otro nivel, pero todos provienen de un espacio comercial, de producción en masa; sin embargo, con esas asociaciones, se convierten en artefactos”. Titulada “Good Hair”, la exposición profundiza en el espacio comunitario de las barberías negras, examinando cómo las nociones de “buen cabello” se cruzan con la subjetividad, la respetabilidad y la política de identidad.
“Buen cabello” de Anthony Akinbola. Cortesía de SCAD. Foto Aman Shakya.
La última pieza de “Good Hair” es In Spinnin (2024), dos postes de barbero que inesperadamente aparecen uno al lado del otro, girando en tándem: separados de su contexto habitual, crean composiciones pictóricas improvisadas y, al mismo tiempo, se vinculan a un Una estética más conceptual y posminimalista, que funciona como una conexión perfecta con la última, pero no menos importante, exposición a la vista.
Una gran muestra de obras de neón del artista minimalista estadounidense Dan Flavin se apodera del resto de las galerías del museo, divididas en salas donde las instalaciones individuales influyen en el espacio y en la percepción de los visitantes. Utilizando tubos fluorescentes disponibles comercialmente como bloque de construcción fundamental, el artista explora un rico vocabulario de posibilidades e infinitas variaciones de composición y pintura con luz de una manera que cambia la experiencia del espacio y transforma tanto a las personas como a los objetos dentro de él.
“Obras de la Fundación Dia Art” de Dan Flavin. Fotografía cortesía de SCAD
Organizada en colaboración con la Fundación Dia, esta exposición destaca obras fundamentales de Flavin, extraídas directamente de la prestigiosa colección de Dia. Comienza con una de las primeras y raramente vistas piezas de Flavin: una caja negra pintada con una capa de neón, que sirve como precursora de sus posteriores y más refinadas exploraciones de la luz y el espacio. Este trabajo insinúa el camino radical que tomaría Flavin al redefinir los límites entre escultura y pintura, artesanía e producción industrial. Utilizando objetos listos para usar y disponibles comercialmente, Flavin desafió no solo las interacciones entre la luz, el espacio y la percepción, sino también la forma en que categorizamos la realidad material, invitando a los espectadores a reconsiderar el lenguaje que utilizamos para asignar valor a los objetos cotidianos.
“Dan Flavin: Obras de Dia Art Foundation” es una exploración centrada en la práctica del artista estadounidense de 1962 a 1974. Cortesía del Museo de Arte SCAD
En particular, esta importante exposición presenta trece de las treinta y nueve piezas de la célebre serie Monumento de Flavin, inspirada en el Monumento a la Tercera Internacional de Tatlin. Las hieráticas pero hiperefímeras estructuras de neón se alzan solemnemente en fila a lo largo del corredor de ladrillo rojo del museo, que alguna vez formó parte de la histórica estación de tren de carga, creando una secuencia impresionante que fusiona luz, espacio e historia en una experiencia única en la vida. .
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A pesar de los diversos temas y tonos de las exposiciones actuales, la programación de otoño del SCAD Museum of Art subraya la ambición más amplia de la institución: crear un programa que no sólo inspire a los estudiantes en el campus sino que también atraiga visitantes a la ciudad. Savannah es una joya de historia y naturaleza. Con su arquitectura neoclásica y calles bordeadas de robles cubiertas de musgo español, la ciudad irradia un encanto que combina a la perfección con la energía creativa contemporánea que irradia el campus de SCAD. Esta vitalidad se ha extendido a la escena local, transformando muchos de los nuevos restaurantes y hoteles con un diseño y estilo de primer nivel. Es el destino de fin de semana perfecto para los amantes del arte que buscan combinar la cultura con la hospitalidad sureña.
Las obras presentadas resumen momentos cruciales y series clave en la obra de Flavin, y sirven como testimonio de la relación duradera entre el artista y Dia Art Foundation. Fotografía cortesía de SCAD