Kenny Scharf en el TriBeCa Ball de la Academia de Arte de Nueva York de 2022. Matteo Prandoni/BFA.com

Kenny Scharf, que alcanzó popularidad en la década de 1980 en la escena artística interdisciplinaria del East Village de la ciudad de Nueva York junto a colegas como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat (y con Warhol como mentor), fue un pionero del movimiento de arte callejero, nacido de la energía dinámica. de la ciudad, que tradujo en un universo visual audaz y de colores vibrantes. Combinando elementos del paisaje urbano, el arte pop, el graffiti y la estética de los dibujos animados, Scharf creó un mundo de personajes singularmente caprichoso que captura con humor las fuerzas y personalidades que animaban las calles de Nueva York, destacando a menudo las distintas voces de sus distintos barrios. Ahora, una próxima exposición en la Fundación Brant rinde homenaje al arte y el estilo de Scharf, centrándose en cómo su viaje artístico ha estado tan profundamente entrelazado con la historia y el desarrollo de Nueva York.

Co-comisariada por sus seguidores de toda la vida Peter M. Brant y Tony Shafrazi en estrecha colaboración con el artista, este importante estudio reúne más de setenta obras significativas (pinturas, esculturas y objetos) de la colección de Brant, así como importantes préstamos de empresas privadas. colecciones e instituciones como el Whitney de Nueva York y el Broad de Los Ángeles.

La pieza central del espectáculo es When the Worlds Collide (1984), presentada originalmente en la Bienal Whitney de 1985 y un ejemplo fundamental del perdurable estilo surrealista y psicodélico de Scharf, que refleja las ansiedades e incertidumbres de un momento histórico y social específico con alegría y humor. A pesar de su estética a veces infantil, Scharf siempre ha estado en sintonía con los contextos sociales y políticos, incorporando sutilmente comentarios paródicos sobre la sociedad estadounidense y sus paradojas, que sus personajes y escenas frecuentemente encarnan.

Kenny Scharf, La nueva cocina de Barbara Simpson, 1978. © Kenny Scharf / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Christopher Burke

Este concepto se ejemplifica en obras como Barbecuing (1978), de George Simpson, donde Scharf presenta al hombre estadounidense por excelencia preparando hot dogs sobre una parrilla de carbón; no está representado en un patio trasero sino en una bañera. En otra pintura del mismo año, New Kitchen de Barbara Simpson, una escena similar a QVC de una mujer en una cocina rosa se ve interrumpida por un dragón que mira directamente al espectador. Tanto cómicas como subversivas, estas obras, como otras, ven a Scharf confrontando directamente las promesas fallidas y las contradicciones del sueño americano y sus valores.

Artista Kenny Scharf en 1984. © Peter Bellamy (1984)

Durante la vista previa para la prensa de la exposición, Observer habló con el artista para hablar sobre su viaje creativo y sus puntos de vista sobre el pasado, presente y futuro del arte callejero, especialmente en nuestro panorama político y social estadounidense actual.

¿Existe un tema central que conecte las obras de esta muestra y cómo reflejan la evolución de su práctica?

Si realmente miras lo que sucede en la mayoría de estas pinturas, diría que el tema esencial que las conecta es que por muy alegre, colorida, divertida y celebratoria que pueda parecer el estilo de vida capitalista y consumista estadounidense, siempre habrá este elefante en la habitación, que es lo que le está haciendo a la tierra. Hemos creado un monstruo que elegimos ignorar y mirar hacia otro lado, pensando que desaparecerá, cuando en realidad, todos mis miedos se están volviendo realidad al presenciar la destrucción. Ya no es una amenaza existencial. Está sucediendo ante nuestros ojos, pero la mayoría continúa fingiendo que no está sucediendo o simplemente sigue reprimiendo el asunto como si no importara.

Tus obras capturan una sensación de caos (“todo existe todo junto”) que refleja la densidad de los espacios urbanos y la avalancha de imágenes a las que nos enfrentamos constantemente. ¿Cómo retrata o refleja su trabajo la vida urbana contemporánea?

Sí. A menudo me pregunto cómo todo existe al mismo tiempo: felicidad, paz, alegría, muerte y destrucción. Todos vivimos juntos en este planeta; todo está sucediendo al mismo tiempo. Me pregunto cómo es posible que existan tantas realidades diferentes a la vez. En la historia reciente, hemos sido bombardeados con una afluencia constante de imágenes de estas diversas realidades, pero continuamos en medio de todo el ruido.

Kenny Scharf, Cuando los mundos chocan, 1984; Pintura en aerosol al óleo y acrílico sobre lienzo, 122 5/16 × 209 5/16 pulg. (310,7 × 531,7 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; compra con fondos de Edward R. Downe, Jr. y Eric Fischl 84,44. © Kenny Scharf / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York. Fotografía de Ron Amstutz

Fuiste parte activa de la escena del East Village en los años 80. ¿Cuál es su relación con el vecindario hoy y cómo cree que ha cambiado?

Nueva York, especialmente el centro de la ciudad, siempre será mi hogar como mi lugar de encuentro para el descubrimiento y la aventura artística con todos mis compañeros. Tengo una historia y un recuerdo de casi cada calle. Como ocurre con todo y en todas partes, las cosas han cambiado. Evito la nostalgia y vivo el presente, pero me siento orgulloso y agradecido por mi historia.

Como uno de los pioneros del arte callejero, ¿cómo lo ve hoy? ¿Cómo lo has visto evolucionar y cambiar?

Toda la evolución del arte callejero y el graffiti, como la música hip-hop, ha alcanzado nuevos niveles a nivel internacional. Sabíamos que era emocionante al principio, pero era difícil imaginar cuán grande llegaría a ser. Es algo increíble ver la influencia de esa época en la cultura de la juventud actual. Es mundial y poderoso.

“Kenny Scharf” se estrena en la Fundación Brant el 13 de noviembre y estará abierta al público hasta el 28 de febrero.