La regeneración de Chitra Ganesh en la Penn Station de Nueva York. Fotos de David Plakke
La artista Chitra Ganesh, radicada en Brooklyn, acaba de presentar una videoinstalación pública a gran escala en la Penn Station de Nueva York, parte de la serie de exposiciones rotativas “Art at Amtrak” comisariadas por la galardonada productora de arte público Debra Simon y su equipo. Conocida por su distintivo estilo gráfico y cómico, Ganesh combina la iconografía del sur de Asia con la ciencia ficción y la teoría feminista queer. Su trabajo celebra las energías femeninas y el simbolismo ancestral, inspirando una simbiosis más profunda entre los seres vivos, comenzando con una reconexión con el yo interior.
Para este encargo, Ganesh creó Regeneración, una narrativa en vídeo altamente simbólica centrada en el poder regenerativo de las plantas. El vídeo inmersivo está diseñado para recordar a los viajeros la vida vibrante que prospera en la naturaleza y reconectarlos con, como dice el artista, elementos que trascienden las limitaciones de la humanidad, fomentando una regeneración de la perspectiva y un reinicio tanto de lo mental como de lo físico.
Esta es la primera vez que la serie “Art at Amtrak”, que anteriormente instaló obras en Amtrak Rotunda y 8th Avenue Concourse, coloca arte en el Hilton Corridor. Observer habló con Ganesh en la inauguración de la instalación, que complementa su otro trabajo en video, Coherence, que se exhibirá en Moynihan Train Hall hasta el 14 de octubre.
Chitra, tus trabajos en vídeo incorporan muchos elementos de tu lenguaje simbólico y visual. La flora, junto con plantas y especies específicas, parece intencionalmente simbólica en la narrativa que has creado. Por ejemplo, la Rosa de Jericó y la planta Welwitschia del suroeste de África simbolizan la resiliencia, mientras que otras son nativas del área de Nueva York. ¿Cómo describiría la importancia de las plantas en su narrativa y cómo sirven como metáforas de fenómenos sociales más amplios a lo largo de la historia humana?
Utilizo plantas de muchas regiones del mundo para subrayar el reconocimiento constante y la asociación de las plantas con la curación, la regeneración, el crecimiento, la resiliencia y el recuerdo por parte de la humanidad. Parece especialmente importante recordar que los humanos mantenemos una relación simbiótica con las plantas, mientras vivimos un momento sin precedentes de destrucción climática que pone en peligro a innumerables especies en todo el mundo hasta el punto de la extinción. Las plantas siempre han estado a la vanguardia de la conciencia humana como metáfora de los ciclos de vida y una escala de vida y tiempo en la naturaleza mucho mayor de lo que normalmente pensamos a diario.
También me interesaba cómo las cualidades específicas de las plantas se reconocen de manera similar en todas las culturas, teniendo a veces resonancias múltiples y universales. Dos ejemplos son la cala y el diente de león. Las alcatraces se originaron en Sudáfrica y luego migraron por todo el mundo. En la simbología griega y romana, su forma de cáliz representaba el renacimiento y la generosidad. En la cultura mexicana, se han asociado con la pureza y el renacimiento, algo que a menudo se ve en pinturas históricas que representan la Pascua. También me inspiré en el uso que hace Diego Rivera de alcatraces en sus murales y pinturas a gran escala, que simbolizan el renacimiento y la revolución, ya que las obras entre 1920 y 1940 se realizaron durante las revoluciones mexicanas.
Para mí, como neoyorquino, los dientes de león son símbolos de resiliencia, supervivencia y prosperidad a pesar de las duras condiciones de la arena urbana, como el cemento y el asfalto. En la cultura escandinava, las palabras en noruego y sueco hacen referencia a la fuerza del diente de león. Por ejemplo, “maskrosbarn”, que significa “niño diente de león”, se refiere a alguien que tuvo una infancia difícil y aún así sale bien, como un diente de león atravesando el asfalto. Los suecos llevan mucho tiempo hablando de niños “diente de león”, es decir, niños “normales” o “sanos” con genes “resilientes” que pueden desenvolverse bastante bien en casi cualquier lugar, ya sea criados en el equivalente de una grieta en una acera o en un jardín bien cuidado, como explicado en un artículo del Atlantic.
Como compartió en el comunicado de prensa que acompaña a este importante proyecto, su primer encuentro con el arte cuando era niño fue en un paisaje urbano. ¿Cómo crees que este lenguaje callejero ha influido en tu estilo artístico y cómo lo describirías hoy?
Hay muchas formas en las que el arte callejero ha impactado profundamente mi trabajo. Mi relación con el transporte público es larga y rica. Empecé a viajar solo en metro para ir a la escuela cuando tenía diez años, en quinto grado. Antes de venir a Nueva York, mis padres eran residentes nativos de Calcuta, India, una ciudad vasta y bulliciosa, y amantes del transporte público de toda la vida. Mi madre nunca obtuvo una licencia de conducir y a mi padre le encantaba tanto su tarjeta de metro Senior que continuó viajando en los autobuses de Brooklyn hasta su muerte.
En muchos sentidos, el arte callejero, como los dibujos con tiza de Keith Haring ejecutados en vallas publicitarias en estaciones y túneles de metro o los vagones de metro cubiertos de graffiti que fueron un sello distintivo de las décadas de 1970 y 1980, fue el primer arte de sitio específico que he visto. sierra. Mucho antes de entrar en un museo, ya estaba interactuando con la vitalidad, el color máximo y la energía para dejar marcas de este tipo de obras, que eran más grandes que la escala real. Fueron una gran parte de mi puerta de entrada a la incorporación de estética gráfica y presentaciones breves de mi trabajo.
El arte público tiene una cualidad única y hermosa que tiene el potencial de ofrecer una experiencia de arte visual aún más profunda y trascendente que la que podríamos tener en instituciones como museos o galerías. Ver arte en un museo o galería es más probable (aunque no siempre) una experiencia única: vas a una exposición en particular. Experimentar obras de arte en un lugar que frecuentas una y otra vez, tal vez incluso varias veces a la semana o al mes, es una experiencia más parecida a la música. Es decir, interactúas orgánicamente con el trabajo a través de varios estados de ánimo y estados mentales y, dependiendo de tu clima emocional, recibes diferentes transmisiones del trabajo y tienes una relación más profunda con él al poder mirar y estar con el arte repetidamente. Se convierte en parte de su paisaje externo e interno. Se trata de un elemento muy profundo del arte público que históricamente estuvo mucho más alineado con la forma en que la gente experimentaba el arte religioso en los espacios que visitaba regularmente.
Como artista en ciernes a principios de la década de 1990, me inspiraron profundamente las obras de artistas radicados en Nueva York como Basquiat, los artistas brasileños OSGEMEOS y artistas de la costa oeste como Barry McGee y Margaret Kilgallen, todos los cuales desarrollaron una estética singular que atrajo del graffiti y la cultura del salto de trenes de carga. Me encanta el arte en los aeropuertos, las obras de arte en el metro y los dibujos con tiza hechos por los hijos de mis vecinos en las aceras afuera de mi departamento.
La coherencia de Chitra Ganesh en Moynihan Train Hall. Fotos de David Plakke.
La mayor parte de su trabajo presenta una interacción psicológica y espiritual entre las dimensiones internas y externas, entre el mundo puramente inconsciente y un mundo más senatorial. ¿Cómo crees que el vídeo te permitió explorar más estas dimensiones?
El vídeo y la animación han sido medios esenciales para explorar la interacción entre paisajes internos y externos en el lugar donde convergen las realidades colectivas e individuales o sociales y psíquicas. La animación basada en dibujos ofrece un potencial asombroso para explorar la intersección de mundos complejos. En Coherence, las siluetas delineadas de figuras se contrastan con un paisaje exuberante, y dentro de los cuerpos, podemos presenciar un paisaje igualmente rico y contrastante. En este sentido, los propios cuerpos se convierten en portales a otra dimensión. Los portales han sido una característica esencial en mi trabajo últimamente; son una forma que permite la compresión del tiempo y el espacio, permitiendo al público atravesar paisajes y zonas temporales muy diferentes en un abrir y cerrar de ojos. También nos permiten ver cómo múltiples realidades, estados mentales o universos pueden coexistir simultáneamente. Esta idea de ver muchos paisajes o formas de ser diferentes simultáneamente me parece crucial en este momento que habitamos, por ejemplo, donde recibimos información a través de algoritmos predeterminados que limitan y seleccionan a qué conocimiento podemos acceder y dónde se nos encarga la tarea. de navegar en un clima políticamente polarizado y tenso. También hay movimientos multidireccionales dentro de cada cuadro; por ejemplo, un cosmos en expansión dentro del cuerpo mientras un unicornio galopa en el fondo o caminando hacia un bosque dentro de la silueta combinada con flora y animales de una escena de jungla pintada.
El lugar donde se proyectan esos vídeos es un cruce por donde pasan tantas personas de diferentes orígenes y con muchas otras vidas. ¿Qué narrativa y experiencia querías concebir y ofrecer en este espacio?
Quiero ofrecer a los viajeros acosados, preocupados y ansiosos un momento de respiro que les dé un respiro del proceso impulsado por la ansiedad de correr de A a B. Desafortunadamente, eso es una parte arraigada en las vidas de los viajeros de la ciudad de Nueva York. Tal vez involucrarse con algunos momentos de belleza y representaciones de belleza natural (en mundos que existen fuera y mucho más allá de los confines de centros de transporte masivos como Penn Station) permita un respiro y un reinicio que traerá algo de paz y placer a un ambiente cargado. Espacio frenético, frenético y desafiante. Esto se logra a través de momentos de respiro, como una figura que mira una mano y le ofrece una planta de olivo joven, manos que buscan mariposas o una niña que esparce las semillas de una vaina de diente de león. En coherencia, esta pausa o recuperación del aliento se vuelve más literal a medida que se invita a los espectadores a estar en relación sincrónica con las figuras en la pantalla.
La instalación consta de dos capítulos diferenciados: Coherencia y Regeneración. ¿En qué se diferencian o actúan como una continuación de la narrativa?
Ambos invitan a la audiencia a considerar un arco temporal más amplio y un entorno que puede provocar belleza y alegría, hablando de la capacidad de resiliencia y supervivencia a pesar de las amenazas de destrucción. Esto parece una poderosa metáfora a la que acceder en un momento en la Tierra en el que hay tanta muerte natural y acciones hacia la extinción a través de la violencia militarizada, los procesos extractivos de combustibles fósiles y las emisiones en lugares de todo el mundo, así como aquí mismo en casa.
Regeneración de Chitra Ganesh se exhibe en la Penn Station de Nueva York como parte de la serie “Art at Amtrak” comisariada por Debra Simon.