Tahnee Lonsdale, Oye una trompeta distante, 2024; óleo sobre lienzo, 72 x 96 pulgadas (182,9 x 243,8 cm). Cortesía del artista y Night Gallery. Foto Nick Massey
Tahnee Lonsdale fue un nombre en boca de todos durante y después del Armory Show del año pasado. Los coleccionistas lucharon por su trabajo y el stand de Cob Gallery se agotó. Un año después, la artista abrirá una exposición individual en Night Gallery en Los Ángeles el 14 de septiembre. Nos reunimos con Lonsdale, quien está ultimando los detalles de la muestra, para hablar sobre su trabajo y su evolución durante los últimos doce meses. .
Las composiciones etéreas de Lonsdale son una herramienta que utiliza para explorar las delicadas interacciones entre la conciencia, el afecto y el dolor. Ella le dijo a Observer que su proceso es mayoritariamente intuitivo; las interacciones de los colores en el lienzo sugieren diáfanas figuras alegóricas y simbólicas que se manifiestan mientras trabaja. Más recientemente, su proceso se volvió aún más intuitivo al embarcarse en una práctica menos controlada: Lonsdale ya no traza ni delinea sus figuras después de pasar un tiempo en Cerámica Suro en Guadalajara, México. “Nunca había hecho nada con cerámica”, dijo. “El proceso es muy intuitivo. En un momento perdí el control. Estaba destinado a ser como un recipiente con la forma de una de las figuras suavemente curvilíneas de mis pinturas, pero siguió creciendo hacia afuera, con vida propia”.
Tahnee Lonsdale en su estudio. Foto Katrina Dickson.
Liberadas de la línea, sus presencias místicas están hechas de color y luz en una atmósfera nebulosa, construida en la pintura como Lonsdale moldearía arcilla para hacer una vasija sin ninguna idea o esquema preconcebido. “Ahora estoy construyendo la pintura a partir de un color central”, explicó. “Empiezo con un campo de color y luego construyo las figuras de adentro hacia afuera en lugar de afuera”. La intuición es importante, al igual que tener fe en el proceso.
Ese proceso es como una excavación de arquetipos escondidos en nuestro subconsciente colectivo. La intuitiva aplicación de pintura de Lonsdale oscila entre opacidad, transparencia y fluorescencia, creando figuras auráticas que emergen como espejismos de una interacción entre textura y profundidad, luz y pigmento. En este vaivén entre abstracción y figuración, ahora mucho más presente que antes, esas presencias espirituales reaparecen.
Pero si bien el proceso de Lonsdale cambió, los temas de su trabajo no. Habitando sus pinturas se encuentran sus característicos espíritus femeninos místicos y quiméricos caracterizados por formas curvilíneas… las presencias matriarcales que se reconectan con todas las madres que nos precedieron o con la Gran Madre Tierra. A medida que el proceso se vuelve más flexible, Longdsale siente una conexión aún más profunda con ellos. “Es más como un campo de color energético”, dijo. “Como una especie de calor que sale de él, luego se extiende con los movimientos, y las figuras comenzarán a emerger naturalmente”. Cuando mira las figuras que pueblan sus pinturas, muchas de ellas viajan a algún lugar, huyen o al menos corren en una dirección definida. “Se dirigen a un lugar que no puedo controlar”.
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No hay referencias autobiográficas absolutas en su obra. Sus temas son imágenes universales de la feminidad y la maternidad con todas sus implicaciones: cuidadora, guardiana, guerrera. Durante nuestra conversación, Lonsdale admitió que su imaginación estaba profundamente influenciada por el lenguaje escultórico de Henry Moore y su lucha por dar forma y describir a los humanos en un punto de inflexión histórico. La obra del maestro moderno británico fue existencial en su cuestionamiento, caracterizado por la posguerra; Las pinturas de Lonsdale capturan la necesidad actual de reconexión con algo profundo, espiritual y atemporal, tanto dentro como fuera de nosotros, después de la pandemia.
Tahnee Lonsdale, Tormenta de arena, 2024; óleo sobre lienzo, 70 x 55 pulgadas (177,8 x 139,7 cm). Cortesía del artista y Night Gallery.
En ese sentido, el trabajo de Lonsdale se involucra en un interminable ir y venir entre el racionalismo, la fisicalidad y la humanidad. “Quiero que empiecen a ser algo”, dijo. “Quiero definir eso: puedo ver hacia adelante; Puedo ver un cuerpo. Y quiero definirlo. Sin embargo, cada vez que entiendo eso, se trata de realmente reducir la velocidad. No voy a definir nada. Mantendré esto tan lento y sin intención durante el mayor tiempo posible porque si trato de definir algo demasiado pronto, parece artificial”.
Lonsdale encontró un alimento creativo adicional en su reconexión con Leonora Carrington, leyendo sus escritos y sumergiéndose en la rica imaginación simbólica de Carrigton, sumergiéndose más profundamente en la cultura mexicana y la atmósfera mística de su período allí. “Son muy fantásticos y místicos, y hay una sensación de transparencia”, dijo Lonsdale. Esta idea del velo regresa y vive entre las capas pictóricas que crea y la superficie de prefiguración que quiere romper. “Ella es anciana y sientes que ya está la mitad en el mundo espiritual y la otra mitad en el reino físico. O tal vez cruzar”.
La intuitiva aplicación de pintura de Lonsdale oscila entre opacidad, transparencia y fluorescencia, creando figuras diáfanas o auráticas. Foto de Katrina Dickson
Las figuras de Lonsdale también cruzan dimensiones, tiempo y espacio, aprovechando arquetipos profundos y atemporales: no sólo el arquetipo materno sino el arquetipo materno más amplio, que se extiende a los antepasados, como abuelas, bisabuelas, etc. A medida que profundizaba en la génesis de esas imágenes, aprendimos cómo surgieron en momentos difíciles como una forma de resistencia. “Estaba pasando por un momento muy difícil y recuerdo sentarme con mi cuaderno de bocetos y decir: ‘No quiero planificar lo que dibujaré, solo voy a ver qué sale’”, dijo. . “Y comencé a dibujar estas figuras extrañas. En aquel entonces se trataba mucho de humanidad. No se sentían celestiales. Se sentían como una representación de emociones”. Cuando se sintió abrumada (por la angustia, por la pandemia), esas cifras la ayudaron a conectarse con algo más profundo dentro de sí misma. Cuando los pintó por primera vez, los sentía como una idea de protección y un significado espiritual más profundo, incluso cuando encarnaban emociones fuertes. Pero, enfatizó, nada en ellos es amenazador, amenazador o peligroso. Se erigen como puntos de referencia simbólicos para ofrecer esta oportunidad de reconectarse con tradiciones más antiguas y los significados espirituales más profundos que encarnan. “Tengo una conexión sólida con las figuras de las pinturas… están muy presentes en mí, y ponerlas en el lienzo es simplemente iluminarlas”.
Tahnee Lonsdale, Como aliento sobre cristal, 2024; óleo sobre lienzo, 72 x 96 pulgadas (182,9 x 243,8 cm). Cortesía del artista y Night Gallery. Foto Nick Massey
Colectivamente, las figuras etéreas de Lonsdale son sombras psicológicas o emocionales que marchan contra el sol… contra la luz del autoconocimiento y la conciencia personal. “Ellos caminan contigo”, dijo. “Simplemente están ahí constantemente”. Y con ellos están las infinitas posibilidades y el potencial dentro de las identidades de las mujeres una vez que se reconectan con una energía femenina más primordial y salvaje pero aún creativa.
“A Billion Tiny Moons” de Tahnee Lonsdale se estrena en Night Gallery en Los Ángeles el 14 de septiembre y estará expuesta hasta el 19 de octubre.