Vista de la instalación de “Artistas radicales de las décadas de 1960 y 1970: entre la geometría y el gesto” en la Galería David Nolan, Nueva York. Foto Lanza Marrón. Cortesía de la galería David Nolan.
Visitar la exposición actual en la Galería David Nolan proporciona un acceso único a una serie de conversaciones e intercambios de artistas que informaron a finales de los años 60 y 70 una serie de prácticas pioneras en el cuerpo y el espacio, que en última instancia resultaron en lo que los historiadores del arte describen como “Arte de proceso”. ” En el espacio de la galería, parecido a un salón del Upper East Side, cuelgue y siéntese este mes con algunas de las experimentaciones más radicales sobre las relaciones entre el espacio, las geometrías y el cuerpo, con fotografías, videos e instalaciones que documentan estas investigaciones. Observer se reunió con el marchante una tarde de finales de septiembre, justo después de la locura de Armory Week, para aprender más sobre la exposición actual y las estrechas relaciones con los artistas involucrados que inspiraron esta exposición.
Cuando llegamos, David Nolan estaba discutiendo profundamente con un asistente sobre la organización de miles de catálogos. Pero solo unos minutos más tarde, nos estaba mostrando con entusiasmo instalaciones de video antiguas con actuaciones de vanguardia de Bruce Nauman, Barry Le Va y Richard Serra, discutiendo cómo fueron concebidas originalmente para los mismos dispositivos en los que ahora se presentan. A medida que se desarrolló la conversación, estuvimos de acuerdo en que todos estos artistas buscaban formas de medir el espacio a escala más humana utilizando sus propios cuerpos y resistencia, probando los límites del movimiento y la percepción dentro de un volumen arquitectónico donde la forma humana se comprime y expresa. Nolan tituló la exposición “Artistas radicales de las décadas de 1960 y 1970: entre el gesto y la geometría” para resaltar esta interacción.
Una tensión convincente entre el gesto humano y el espacio construido anima toda la exposición mientras los artistas a la vista luchan con este desafío: usar sus cuerpos para medir y dar forma al espacio y traducir estas acciones en una nueva forma de conciencia a través de diversos medios. Un elemento central de la muestra es el trabajo de artistas como Bruce Nauman, Barry Le Va y Richard Serra, quienes estuvieron entre los primeros en enfatizar el acto de creación en sí, el proceso, más que el producto terminado, centrándose en la relación entre los movimientos del cuerpo. y acciones sobre el objeto final.
Al expandir radicalmente el uso de materiales, derribar jerarquías disciplinarias y desafiar la idea misma de lo que podría ser el arte, los artistas pioneros cuyo trabajo se exhibe en la Galería David Nolan tuvieron una importancia enorme dentro de un movimiento más amplio que alteró irrevocablemente el arte contemporáneo. Foto Lanza Marrón. Cortesía de la galería David Nolan.
En el contexto de la Guerra de Vietnam y el Movimiento por los Derechos Civiles, el cambio social y el arte se fusionaron en un movimiento impulsado por un puñado de artistas que ahora se presentan en esta exposición en la Galería David Nolan. El cortometraje de Richard Serra Hand Catching Lead (1968) ejemplifica este enfoque en la importancia de un gesto, incluso cuando aparentemente banal o sin propósito, que sirve como catalizador para la interacción dentro del espacio al tiempo que desafía las concepciones tradicionales de la escultura y el cine al rechazar estructuras lineales o narrativas. En la misma sala, Sound for Mapping the Studio Model (The Video) de Bruce Nauman muestra al artista midiendo el espacio con su propio cuerpo, transformando el estudio en un lienzo y un medio para la reflexión física y ontológica.
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Los videos acompañan a dibujos que resaltan el esfuerzo mental y conceptual requerido para traducir la acción en líneas que puedan visualizarse como espacio: imaginadas, concebidas y experimentadas. Mientras tanto, varias fotografías documentan la coreografía, a menudo absurda, detrás de estas pruebas de resistencia y la naturaleza aparentemente aleatoria de estas prácticas. El vídeo de Barry Le Va lo captura corriendo espasmódicamente entre las paredes para realizar una conciencia del espacio que se extiende más allá de las reacciones físicas, tocando el sonido y las vibraciones visuales que puede generar. Aunque estas acciones sin propósito suelen estar ausentes en la obra de Le Va, su presentación aquí es reveladora, ya que captura el proceso detrás de sus obras más conocidas que de manera similar abordan la noción de espacio y proceso sobre la escultura sólida y estable.
Cuando consideramos cómo estos artistas intentaron medir el espacio, vemos que, al proyectar estas actuaciones en dispositivos rudimentarios o encapsularlas en fotografías, estaban midiendo no sólo su presencia física sino también su representación dentro del marco de la cámara: la relación y proporción de existencia humana contenida dentro de un límite. Esta doble exploración de la ontología y la semiótica hace que la exposición tenga especial resonancia hoy en día, cuestionando cómo percibimos y medimos la presencia de un cuerpo en una habitación o en una pantalla y el medio mediante el cual medimos esta presencia. Lo que inicialmente parece una exploración puramente de los años 60 de la interacción entre el cuerpo y el espacio se siente inesperadamente relevante a medida que luchamos por orientar nuestros cuerpos en la interacción constante entre los reinos físico y digital que definen la vida moderna.
Dentro del contexto histórico, estas obras también pueden verse como reacciones contra el enfoque minimalista de dar forma al espacio a través de formas industriales y elementos rígidos. Al mismo tiempo, se sienten profundamente arraigados en el rápido desarrollo urbano de ciudades como Nueva York y Los Ángeles a finales de los años 60, en paralelo al ritmo frenético de la expansión inmobiliaria actual. A finales de la década, estos artistas “radicales”, al igual que sus contemporáneos en la arquitectura radical, restablecieron el cuerpo como herramienta principal para medir, evaluar y experimentar entornos espaciales y arquitectónicos, un cambio que todavía resuena en el momento presente.
Barry Le Va (1941 – 2021), Velocity Piece (Impact Run – Energy Drain), 1969; Cada uno: 15 x 15 pulgadas (38,1 x 38,1 cm), cada uno enmarcado: 21 1/4 x 21 1/4 pulgadas (54 x 54 cm). Cortesía del patrimonio del artista y de la Galería David Nola.
En particular, la primera sala establece una línea de conexiones a menudo inesperadas entre las prácticas de estos artistas, desentrañando cómo su conversación e intercambio continuo influyó en el desarrollo de sus obras.
Como recuerda Nolan, después de la muerte de Barry Le Va, comenzó a planificar un libro sobre el trabajo de Le Va. Cuando se acercó a algunos de los artistas cercanos a él, Richard Serra inmediatamente aportó un texto conciso pero hermoso. Bruce Nauman, por otro lado, inicialmente dudó, pero finalmente compartió una historia durante una llamada telefónica que Nolan transcribió. Nauman contó cómo Barry Le Va le regaló una vez un libro intenso, Correcciones de Thomas Bernhard, filosófica y teóricamente denso al estilo típico alemán y no es una lectura fácil. Sin embargo, Nauman lo leyó y, cuando se reunieron para cenar, estaba completamente preparado para discutirlo en profundidad con Le Va, mostrando el tipo de intercambio comunitario que impulsó sus procesos creativos.
Toda la segunda sala presenta una recreación de las disruptivas Piezas de distribución de Barry Le Va de 1966. Mientras Nolan nos guía, lo que podría parecer una dispersión desordenada de vidrios rotos es, de hecho, una composición meticulosamente planificada que explora el caos, la estructura y espacio. Encarna la visión de Le Va de la escultura como una entidad fluida y abierta situada dentro de un mundo dinámico y fenomenológico. “Es un caos, pero es un caos ordenado”, explica Nolan. “Siempre hay un plan estricto. Esta obra de 1968 involucra tres láminas de vidrio, y dio instrucciones de que debían colocarse a cinco pies de la pared para que la gente pudiera caminar alrededor de ellas. Hay instrucciones precisas sobre cómo diseñar la pieza. Luego, cuatro personas levantan la lámina de vidrio hasta sus rodillas y, a cada lado, la dejan caer y se alejan, y cada vez se rompe de una manera ligeramente diferente. La textura varía, pero la estructura de la composición sigue siendo la misma”. Este trabajo demuestra cómo Le Va ya estaba redefiniendo radicalmente el concepto de escultura, transformándolo de una estructura estática a una composición del espacio, un proceso en movimiento que se asemeja a la arquitectura de un acto en lugar de la noción tradicional de tallar o moldear formas.
Si bien la muestra revela conexiones y similitudes fascinantes entre los gestos, dibujos y actitudes de estos tres reconocidos artistas, también destaca las prácticas de otros dos pioneros en este campo, que quizás sean menos conocidos pero que ciertamente vale la pena descubrir.
Dorothea Rockburne, Serie inversa, 1974; Bolígrafo y lápiz de varias dimensiones. Cortesía del artista y de la Galería David Nolan.
Entre ellos se encuentra Dorothea Rockburne, una pionera conocida por su enfoque conceptual y disruptivo del lienzo y otras superficies de representación. Adoptando un rigor conceptual extremo, Rockburne transforma papel y lienzo en objetos tridimensionales doblándolos, encontrando profundidad en las líneas que se transforman en el espacio. Valeria, la esposa de David Nolan, explica que el trabajo de Rockburne consiste en probar las posibilidades del papel para adoptar cualidades tridimensionales a través de su interacción con la textura, la luz y las sombras. Estas hojas de papel colgantes ya adquieren una nueva dimensión a través de simples pliegues, creando espacios entre las líneas que se convierten en volumen y sombra.
A lo largo de su carrera, Rockburne ha redefinido el espacio y la representación centrándose en la interacción entre los pliegues, los medios y la luz que los anima. Como señala Nolan, su investigación evolucionó aún más con su estudio del arte renacentista y manierista, lo que llevó a sus trabajos recientes a explorar una armonía más espiritual y atemporal entre colores, líneas y geometrías universales. Ahora objeto de un reciente resurgimiento institucional y del mercado, sus piezas de la “Serie egipcia” tienen actualmente precios de seis dígitos. Sus exploraciones recientes, a menudo basadas en la proporción áurea, parecen portales que abren nuevas posibilidades para la armonía formal, ya sea ejecutadas sobre papel o lienzo. Rockburne recibió recientemente un importante reconocimiento en la Fundación Dia en Beacon, y su trabajo, predominantemente en colecciones de museos, está alcanzando valores de mercado cada vez mayores.
No se nos permite hablar en detalle de los otros artistas expuestos, pero la muestra también incluye una pieza de Stanley Brouwn, una figura fundamental que participó en exploraciones experimentales similares del cuerpo, el movimiento y el espacio físico. Su trabajo sigue siendo en gran medida desconocido para la mayoría debido a su estricta política de no compartir nada póstumamente: no se permiten imágenes ni textos, lo que envuelve su práctica en un aura de misterio. Nolan lo conoció en Amsterdam y lo recuerda como un genio brillante en esta poética, el único artista negro americano que aborda estos temas. Pero tenemos que detenernos aquí, según los deseos del artista.
Movimientos como Performance Art y Fluxus impulsaron el arte hacia nuevos materiales y experimentación conceptual, pero Process Art fue aún más lejos. Foto Lanza Marrón. Cortesía de la galería David Nolan.
La muestra ofrece una oportunidad única para explorar una era experimental fundamental cuando los artistas comenzaron a cuestionar tanto el medio de representación como su capacidad para capturar y documentar un cuerpo en movimiento, midiendo su presencia y probando su resistencia dentro de espacios y dispositivos construidos por humanos. Si bien la investigación formalista a menudo se considera demasiado conceptual y abstracta para conectarse con la vida diaria, estas reflexiones adquieren una relevancia renovada en el panorama socioeconómico actual, abordando cuestiones complejas relacionadas con la experiencia física de los cuerpos en el espacio y los medios utilizados para expresar esta interacción. ¿Cómo podemos preservar el valor total de la propia presencia en espacios cada vez más limitados (y costosos)? ¿Cómo capturamos toda la energía y el movimiento de un cuerpo físico y psicológico dentro de los confines de una sola pantalla antigua, dentro de los pliegues de una obra de arte en una pared, o incluso en los fragmentos de vidrio rotos de una instalación escultórica, cada fragmento que encarna el acto original que lo creó?
Aunque la exposición en David Nolan puede no proporcionar respuestas definitivas, demuestra cómo un grupo de artistas innovadores ya se habían embarcado en estas investigaciones críticas sobre el cuerpo, el espacio y el control, traduciéndolas en obras de arte que continúan alimentando un diálogo continuo y altamente relevante.
“Artistas radicales de las décadas de 1960 y 1970: entre el gesto y la geometría” se exhibirá en la Galería David Nolan hasta el 26 de octubre.